EL MARCO DENTRO DEL MARCO

El aspecto matérico y el concepto de detritus en toda la obra de Olga Andrino, le han llevado a hacer del papel de periódico su materia prima y su componente principal. Sus piezas se decantan hacia la volumetría, puesto que lo llano es sin duda insuficiente para su mente expansiva. Lo que queda de la información periodística del material de prensa adquiere la emotividad de la ausencia. El papel sale del cuadro para alcanzar el marco; marcos que encuadran la nada, el vacío, pero que se convierten en objetos en sí mismos.

Rosa Montero dice en su libro La ridícula idea de no volver a verte que, cuando los seres queridos mueren, hay que narrar el final de sus vidas en común. Los marcos de Andrino narran este vacío. Los marcos podrían enmarcar retratos, pero acaban enmarcando el desvanecimiento, la desaparición, la vacuidad, la nada que queda. La serie Todo se desvanece (2019-2022), representa una vivencia de pérdida y de luto. “Vaciar la casa donde viviste después de la muerte de tus padres supone toda una reflexión sobre el paso del tiempo y sobre cómo las familias desaparecen y cómo los espacios que ocuparon darán lugar a otras familias que se formarán y que también, con el paso del tiempo, desaparecerán. Y el arte como narrador de sentimientos”, con palabras de la artista. De ahí su concepto sobre el espacio, las personas que lo habitan y lo que es transitorio de su ocupación.

Su exploración actual tiene como idea trasladar las multitudes al campo con el fin de reencontrar la comunión y la armonía entre hombre y naturaleza. Siguiendo ese espíritu romántico, regresa a la naturaleza para conseguir el deseado equilibrio y se manifiesta en la nostalgia del paraíso perdido. La disociación entre hombre y naturaleza nos evoca al sentido idealista de la tragedia y de la nostalgia

Una sensibilidad que responde a la conciencia de la escisión con una desesperada búsqueda de esa plenitud que en algún momento no fue ajena a la condición humana. Este deseo de retorno a los orígenes en los que el ser humano forma parte de un todo y se erige en artífice del cambio, se convierte en un objetivo esencial. Arte y naturaleza forman un compendio casi único en el que se formulan los discursos más introspectivos de la artista.

Éstos se convierten en eje vertebrador y esencial de sus obras actuales al vincularse con la energía que da vida al cosmos. El llamamiento para reconectar con el espacio natural y compartir con los demás habitantes del planeta unos recursos finitos, es un soplo de esperanza.

«Estudio de luz en el campo» es la última obra de la exposición, la que cierra una etapa y la que dará paso a otra. Se trata de pequeños paisajes compuestos de sensaciones gestuales y de cartografías intuitivas, a modo de tensiones emocionales trazadas desde la interacción con el espacio. Como dice Rafael Argullol en La atracción del abismo: “Junto a la naturaleza saturniana y liberadora se halla una naturaleza jupiteriana y exterminadora que destruye cualquier proyecto de totalidad… por eso, en la pintura del Romanticismo son indeslindables el deseo de retorno al espíritu de la naturaleza y a la conciencia de la fatal aniquilación que este deseo comporta“.

Para los pintores románticos, el paisaje no comporta únicamente un marco físico al que puede accederse con facilidad, sino que es un escenario en el que está representada la tensión, a menudo dramática, entre la naturaleza y el espíritu humano.

 

Conxita Oliver i Cabestany

THE FRAME WITHIN THE FRAME

Throughout Olga Andrino’s work, the material aspect and concept of detritus have led her to make newspaper her raw and primary material. Her pieces lean towards volumetrics, as the plan is certainly insufficient for her expansive mind. What is left of the journalistic information in the press material acquires the emotive of absence. The paper steps out of the box to reach the frame; frames that frame nothingness, emptiness, but that become objects in themselves.

Rosa Montero, in her book: La ridícula idea de no tornar-te a veure, says that when our loved ones die, it becomes necessary to narrate the end of their lives together. Andrino’s frames narrate this emptiness. The frames could contain portraits, but they end up framing the fading, disappearance, emptiness, and the nothingness that remains. The series Todo se desvanece (2019-2022), is an experience of loss and mourning. “Emptying the house where you used to live after the death of your parents is a great consideration for the passage of time and how families disappear and the spaces they occupied give rise to other families that will be formed and that, with the passage of time, will also disappear. And art as a narrator of feelings”, in the words of the artist. Hence the concept of space, the people who inhabit it, and the transitory nature of its occupation.

Her current quest seeks to move the crowds to the countryside to rediscover communion and harmony between man and nature. Following that romantic spirit, she returns to nature to achieve the desired balance and manifests herself in the nostalgia of paradise lost. The dissociation between man and nature refers us to the idealistic sense of tragedy and nostalgia.

A sensitivity that responds to the consciousness of the split with a desperate search for that sense of fulfilment that at some point was not alien to the human condition. This desire to return to the origins where the human being is part of a whole and represents the architect of change, becomes an essential goal. Art and nature form an almost unique compendium where the most introspective discourses of the artist are formulated.

These become the backbone and essential axis of her current work in linking herself to the energy that brings life to the cosmos. The call to connect with natural space and share its finite resources with other people on the planet is a breath of fresh air.

Estudio de luz en el campo is the latest work in the exhibition; the one that closes one stage only to give way to another. These are small landscapes made up by gestural sensations and intuitive cartographies, in the form of emotional tensions drawn from the interaction with space. In the words of Rafael Argullol in La atracción del abismo: “Along with the Saturnian and liberating nature is a Jupiterian and exterminating nature that destroys any project of totality … Hence the impossibility of separating the Romanticism painting’s desire for the return of the spirit of nature and the consciousness of the fatal annihilation that this process entails”.

For Romantic painters, landscape is not only a physical frame that can be easily accessed, but it is the setting where the often-dramatic tension between nature and the human spirit is represented.

 

Conxita Oliver i Cabestany